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时代变了，迪斯尼推广的12条动画原则已经不再适用于数字时代的动画教学。油管大神angryanimator对迪士尼经典12动画原理进行了扩充，达到21条，包含了动画的设计和动作方面。

01.吸引力（appeal）

吸引力并不仅仅意味着“可爱”——尽管可爱的角色确实具有立竿见影的吸引力——特别是那些有着大眼睛或纽扣眼睛的角色（让他们看起来有点像泰迪熊）：

当然，坏人或邪恶的角色也有吸引力：

把吸引力理解为“魅力”、“兴趣”或“魅力”可能会有所帮助。

02.强大的设计（strong design）

人物是由球体、圆柱体和盒子这些基本几何体构成的，在整个制作过程中，设计师会非常小心地确保设计是基于这些基本构成的。

模型样板纸规定了正确的比例和字符的设计。

设计服装也有用类似的地方，不要考虑形状是否美观，要通过有体积感的形态来体现

经典的设计都是直线配合曲线。瘦的地方用直线，丰满的地方用曲线。

另一个技巧是让线条有转折感，这里有两个线条，如果在线条上加点转折，就会得到更有趣的外形。

注意看肚子、肘部、脸颊变化的地方，还有布料的下垂处，并不是随意画的

还有就是纹理，越不规则越有趣。

我们可以对手指进行微调，就可以得到右边比较有灵气的设计。

03.舞台构图（staging）

本章的内容出自另一门课程，Animation Foundations Storyboarding。

舞台构图是角色摆放和镜头的艺术，目的就是传达给观众场景里什么元素比较重要。

下面6幅图，上面3张比较平淡，下面3张对人物的姿态表情还有镜头做了调整，显得更加有趣。

右图，我们可以看到小人物很难说服他的朋友们；左图，压迫感并不明显。

员工和老板之间的地位在下面的右图更加清晰，一是人物大小的变化，二是由俯视变为仰视

把角色放在旁边，会有一种疏离、不安全感

下面谈谈透视的影响

二分构图，通常不会这么构图，感觉太平静了

蠕虫视角，可以用来体现城市构造

鸟瞰视角，通常用来表现风景、大场景

比较常见的三分构图

如果感觉比较无聊，可以把焦点放到旁边

倾斜视角，留白的空间最大

不同的机位可以产生截然不同的镜头，注意不要跃轴（A和B之间的那条红线）

不同的灯光会体现不同的氛围，下面3张，越往右越恐怖

老板的气场逐渐变得恐怖

灯光的亮度和颜色可以使画面产生空间感

如果你还想研究灯光，可以去看看《The Outer Limits》，这本书在灯光方面的表现获得了三项奥斯卡奖

04.表演与哑剧（acting&pantomime）

一个经典的动画测试是画一袋面粉或简单的物体，即使没有表情，也可以通过姿态动作赋予其生命力。

不同的姿势会传递不同的性格

蹑手蹑脚的行走

愤怒的行走

05.关键帧和动作分解（Keys & Breakdowns）

关键帧决定姿势、位置还有动画节奏。下面三张图的首尾帧Keyframe都是一样的，只是中间帧做了Breakdown，可以仔细体会下其中的差别。

下面是一个跳跃动作，上图只做了关键帧（Keyframe），并没有进行关键帧分解（Breakdown），然后下图在红色的地方进行了动作分解。

这些改动其实很难察觉出来，但是加了之后你的动态会丰满许多

06.逐张画法与关键帧画法（Straight Ahead & Pose to Pose）

逐张画法就是一张一张往后画，缺点是大小比例可能不统一

Pose to Pose可以理解为关键帧动画，先画好几个关键帧，然后慢慢细化

07.草图（Thumbnails）

在制作动画之前，最好画一些草图，对动作进行规划

动画越复杂，草图就越重要。

事先画草图，这样你就可以预览到整套动作，然后再慢慢细化。

08.时间、空间和缓入缓出（Timing, Spacing & Easing）

时间指的是帧数，空间指的是移动的距离。即便时间和空间相同，对于同一个物体依然可以做出不一样的动态效果。

如果我们改变物体的运动时间和移动距离，那么这个物体的属性也改变了。

图左是足球，图中是沙滩排球，图右是金属球

下图，小鸟的运动速度很快，其运动节奏是1-5-9，翅膀挥下去要4帧，挥上来也要4帧。

而飞龙的体积很大，所以移动速度很慢，运动节奏是1-19-29，翅膀需要花18帧挥下来，10帧挥上去。

09.挤压和拉伸（Squash & Stretch）

挤压和拉伸特别能够赋予物体生命力。需要注意的是变形幅度越夸张，就会增加或者减少不少体积。

任何区域都可以挤压拉伸

头骨和眼睛没有变形，只有下巴变形

肚子的变形最明显

10.曲线运动（Arcs）

大多数物体的运动路径都是曲线，注意观察人物头部的运动路径

人物右手的运动路径

甚至是每簇头发都是单独画曲线路径，最终混合成一个完整的随风飘动的头发

下图，63帧橙色的运动曲线不够顺滑，黑色曲线为修复之后的。

11.主要动作和次要动作（ Primary & Secondary Action）

主要动作是人物手的挥动，次要动作是旗帜的运动，次要运动是由主要运动引起的。

在主要动作停止前，单独修改次要动作是不对的。

头部是主要动作体，帽子是次要动作体，羽毛是第三动作体。改变头部的动画，帽子的动画也会随之改变，接着便是羽毛。

人物是主要动作体，衣服、围巾是次要动作体，头发是第三动作体（可能会受到围巾的影响），依次绘制动画。

外套是轻纺材质，每6帧一个关键帧；

围巾是厚重的羊毛材质，所以会慢一点，每8帧一个关键帧；

头发比较软，很容易受风影响，所以运动频率会快一点，每4帧一个关键帧。

12.剪影（Silhouette）

一个好的剪影可以传达角色的身体动作和情感。

负空间也需要留意，比如手臂和身体间的空隙，还有两腿间的空隙，它们也控制着设计的好坏

即使看不见脸部的细节，好的剪影依旧可以传递情感

场景的每一帧都有轮廓，轮廓会控制负空间。下图，人物的右臂和身体上有个大的负空间，左臂和身体有个小的负空间。这个负空间太小了，以至于有些抢眼了。解决办法是要么让它更小一点看不见，要么就稍微改大一点。

13.曲线运动和翻转（Line of Action & Reversals）

人物通常有一条骨干线，从角色的底部一直延伸到头部。从一个动作到另一个动作就是让这条线从S曲线到C曲线，或者C曲线到S曲线。

下图摇尾巴的动画就是一个经典的曲线运动和翻转的例子

同时也要注意不能过度使用曲线的翻转，因为这样会让动画看起来不稳定

下面这个巫师有很多翻转曲线，脊柱、胡子和绳子，这些元素叠加在一起便有了很棒的松弛感

14.预备、过度和动作保持（Anticipation, Overshoot & Settle）

预备动作、过度动作、动作保持是非常重要的表演技能。

预备动作指我们在向一个方向移动之前，通常会向相反的方向移动。让眼睛有时间去准备，能够预测后面的动作。

下图右，人物的身体先后倾再向前倾，手臂先往上抬再下落，这些预备动作让人物改更加有活力。

当然，也并非一直需要预备动作。如果你想表现受到惊吓，这时候就不用预备动作，只需要顺势的夸张化表情就行。

下图，绿线是预备动作，蓝线是过度动作，后面黑线是动作保持。很多动作一般不会机械停止，它们会稍微超出最终位置一些，然后缓冲并回到稳定姿势。

15.反向运动（Opposing Action）

反向运动是一种保持平衡的方式，它可以让动态看起来特别自然。

海鸥的翅膀上下摆动，当添加了反相运动时，便有了生命力

即使是一个很短的场景，依然有很多处反向运动

16.对立姿态（Counterpose）

肩部和胯部水平对齐，人物看起来会有点傻。旋转臀部和肩部，让他们相互对立，人物的姿态便会生动起来。

对于非人物体同样适用，对立姿态会让物体看起来更有灵性。

17.主导动作（Leading Action）

主导动作是指身体的某个部位在推动或者引导整个运动的动作。

下图肘部是主导动作点，通过肘部引导身体的运动

我想让下面的角色看起来有些险恶，于是便用肩部和肘部来引导身体的运动，于是便产生了鬼鬼祟祟的感觉

胸部引导，结果是一个兴致冲冲的行走动画

下巴引导，情绪会更加激昂

腹部引导，会呈现一种自信乐观的感觉

如果想表现步履蹒跚的丧尸，那么把红色部分（肩膀、胯部、大腿）作为引导僵尸行走的主导动作体。

18.打断关节（Breaking Joints）

现实世界中关节一般是不会被反向破坏的，不过动画里面可以打断关节，来为人物添加一些活力。下图，关节在红色的地方被反向拧断并复原了一次。

19.缓冲（Overlap & Follow Through）

可以理解为弹簧效果器，物体的运动会有些惯性跟随，动作更有弹性。

20.语调和对话（Accents）

嘴部说话的动画通常会做的很夸张

动画师常常会画6种口型，然后不断重复使用

21.夸张（ Exaggeration）

夸张是一门艺术

参考：

https://www.angryanimator.com/word/2018/04/23/21-foundations-of-animation/
https://ke.qzdcg.com/play/course/353?sectionId=5840
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